PINTURA DE GIOTTO; PRENDIMIENTO DE LA CAPILLA SCROVEGNI DE PADUA

La obra es una pintura de Giotto di Bondone, su situación histórica se localiza en el gótico donde la pintura mural era muy escasa salvo en Italia porque los muros del gótico estaban cubiertos por ventanas no dejando representar las pinturas por falta de espacio.

Se impuso así la pintura sobre tabla y la técnica más utilizada en el gótico era el temple en el que se usaba huevo como aglutinante de los colores, más tarde en el S.XV surgió el óleo en el que el aglutinante era el aceite.

La pintura gótica evolucionó distinguiéndose en 4 fases: el gótico lineal, el itálico-gótico del Ducento y Trecento, el estilo internacional y el estilo flamenco.

Nuestra obra se localiza en el estilo itálico-gótico del Trecento donde había dos grandes escuelas que son la de Siena y la de Florencia representada por Giotto y sus discípulos y seguidores.

Giotto nació en 1267 en Colle di Vespignano y murió en 1337 en Florencia. Fue un gran pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Es considerado uno de los primeros artistas que contribuyeron a la creación del renacimiento italiano y en romper las limitaciones del arte y conceptos medievales. Pintaba fundamentalmente temas religiosos. Sus obras tienen un carácter intelectual y se inició en captar la perspectiva aunque no de manera totalmente correcta, también estudió la anatomía con la función de expresión y la luz era un elemento determinante en la tonalidad cromática.

“El Prendimiento” se encuentra en la Capilla Scrovegni, también conocida como la capilla de la Arena por estar próxima al Circo Romano en Padua. Su arquitecto es Enrico Scrovegni, fue dedicada a la Virgen de la Caridad y construida en 1303.

La capilla Scrovegni es un edificio gótico con función funeraria que pretende ser el mausoleo de la familia del arquitecto. Tiene una nave de planta rectangular y cubre el edificio con una bóveda de cañón y con una cubierta a dos aguas. Las paredes del edificio son reforzadas con contrafuertes. Centrándonos en el interior de la capilla, la decoración fuer realizada por el artista Florentino Giotto di Bondone, es influido por Cimabue y rompe con el Bizancio e impone nuevas iconografías.  La capilla aparece decorada de frescos que narran la historia de la salvación enfocada en el Nuevo Testamento y utiliza narraciones de los evangelios apócrifos.

La temática de la pintura es religiosa. Es un retrato colectivo de toda la figura que representa una escena de un pasaje del Nuevo Testamento, el beso de Judas en el Monte de los Olivos después de delatar a Cristo.

En la imagen están Judas y Jesús en el Huerto de los Olivos donde Jesús se había retirado a orar, tras la cena Pascual. Judas aparece acompañado de la cohorte y los guardias enviados por los sumos sacerdotes y fariseos. Portan linternas, antorchas y armas.

Su composición son elementos distribuidos al azar, Judas está como protagonista centralmente situado mientras se besa y en los laterales una diagonal de personajes que se superponen, tras la multitud un paisaje de fondo, marcando un plano.

Representa volumen ya que coloca a los personajes de espalda para crear un círculo y multiplicar los planos dando espacios. Hace uso de colores cálidos, como el rojo de las vestimentas y las antorchas y con fondo frío como el cielo y la vegetación. Se utiliza la técnica del óleo que permite superponer colores y esto enriquece la gama cromática.

La luz es conceptual, iluminado con un foco de luz artificial para así conseguir volumen en las figuras, dándole importancia a las prendas y los cuerpos. Los contornos son claros, se ven detalles como en los ropajes con los pliegues, existe movimiento en la imagen predominando la acción ya que alrededor de las dos figuras centrales hay bullicio de gente que portan lanzas y antorchas.

La finalidad del artista era explicar historias conocidas con ayuda de la tradición.

Para concluir citamos un texto de Giovanni Boccaccio:

“El otro, llamado Giotto, tenía un espíritu tan sublime que entre todas las cosas que la madre naturaleza a producido bajo la órbita del cielo, no había una sola que no hubiera reproducido con lápiz y pluma con tanta fidelidad que su obra no pareciera ser la imagen del objeto, sino el objeto en si, hasta el punto de que muchas veces en sus obras el sentido humano de la vista se equivocaba y consideraba que era real lo que solo estaba pintado”.

Desirée Tavira

Irene Doñate